6 Poemas de Florine Stettheimer

My attitude is one of love

is all adoration.

for all the fringes.

all the color.

all tinsel creation.

I like slippers gold.

I like oysters cold.

and my garden of mixed flowers.

and the sky full of towers.

and traffic in the streets.

and Maillard’s sweets.

and Bendel’s clothes.

and Nat Lewis hose

and Tappé’s window arrays

and crystal fixtures

and my pictures

and Walt Disney cartoons

and colored balloons

Mi actitud es de amor

todo es adoración.

por todos los flecos.

todo el color.

toda la creación de oropel.

Me gustan las zapatillas doradas

Me gustan las ostras frías.

y mi jardín de variadasflores.

y el cielo lleno de torres.

y el tráfico en las calles.

y los dulces de Maillard.

y la ropa de Bendel.

y las medias de Nat Lewis

y los escaparates de Tappé

y las lámparas de cristal

y mis cuadros

y los dibujos animados de Walt Disney

y los globos de colores

The world is full of strangers.
They are very strange.
I am never going to know them.
Which I find easy to arrange

***

El mundo está lleno de extraños.
Son muy extraños.
Nunca los voy a conocer.
Lo cual me resulta fácil de organizar.

picnic en Bedford Hills, 1918

I was pure white
You made a painted show-thing of me
You called me the real-thing
Your creation
No setting was too good for me
Silver – even gold
I needed gorgeous surroundings
You then sold me to another man

***

Yo era blanca pura
Me hiciste una obra de arte pintada
Me llamaste la auténtica
Tu creación
Ningún entorno era demasiado bueno para mí
Plata, incluso oro
Necesitaba un entorno espléndido
Luego me vendiste a otro hombre

TARDE 1917 1919. Florine Stettheimer

YOU ARE THE STEADY RAIN
The looked-fors
The must-bes
The understandables
The undistinguishables
The inevitables
The earthmoisteners
The great mud makers

We are the sunbursts
We turn rain
Into diamond fringes
Black clouds
Into pink tulle
And sparrows
Into birds of Paradise

***

ERES LA LLUVIA CONSTANTE
Los esperados
Los imprescindibles
Los comprensibles
Los indistinguibles
Los inevitables
Los humedecedores de la tierra
Los grandes creadores de lodo
Somos los estallidos de sol
Convertimos la lluvia
En flecos de diamantes
Nubes negras
En tul rosa
Y gorriones
En aves del paraíso

In mi living room. Family portrait II 1916.

My neighbor
The Cat
Sat
On a mat
Her mouth
Like a trap
With eyes
That snap
She smiles
At a Rat
And now
She is fat
That’s
That!

***

Mi vecina
La gata
Se sentó
Sobre una alfombra
Su boca
Como una trampa
Con ojos
Que cierran de golpe
Sonríe
A una rata
Y ahora
Está gorda
¡Eso es todo!

De: Crystal Flowers: Poems and a Libretto. Book*hug Press(2010). edición realizada por Irene Gammel y Suzanne Zelazo

Occasionally

A human being
Saw my light
Rushed in
Got singed
Got scared
Rushed out
Called fire
Or it happened
That he tried
To subdue it
Or it happened
That he tried to extinguish it
Never did a friend
Enjoy it
The way it was.
So I learned to
Turn it low
Turn it out
When I meet a
stranger—
Out of courtesy
I turn on a soft
Pink light
Which is found
modest
Even charming.
it is protection
Against wear
and tears…
And when
I am rid of
The Always-to-be-
Stranger
I turn on my light
And become
myself.

De Crystal Flowers, publicado por primera vez póstumamente por su hermana Ettie en edición limitada impresa de forma privada en 1949.

autorretrato desnudo, A Model (1915-16). Florine Stettheimer

Florine Stettheimer (Rochester, Nueva York, EE.UU., 29 de agosto de 1871-11 de mayo de 1944). Pintora, diseñadora, poeta y salonista de Jazz Age. Las pinturas de Stettheimer, han sido encuadradas en el género subversivo rococó, debido a su sátira sutil. Autora de un autorretrato suyo totalmente desnuda, A Model (1915-16), de los primeros realizados por una mujer del que hay constancia en la historia del arte.(La primera parece serla pintora alemana Paula Modersohn-Becker en 1906).

Hija de Rosetta Walter, una de las nueve hijas de una acaudalada familia judeoalemana de Nueva York, y de Joseph Stettheimer, banquero, que abandonó a la familia cuando los hijos eran pequeños. Florine era la cuarta de cinco hijos: Walter, Stella, Carrie, Florine y Ettie. Cuando Stettheimer tenía diez años, Rosetta y sus cinco hijos pasaban parte de cada año en Europa.

Stettheimer demostró talento artístico desde niña. Entre 1881 y 1886, cuando tenía entre diez y quince años, asistió al Priesersches Institut de Stuttgart, un internado femenino. Allí recibió clases particulares de arte con la directora, Sophie von Prieser. Los Stettheimer vivieron en Berlín de 1887 a 1889, donde Stettheimer continuó tomando clases particulares de dibujo. Tras casarse Walter y Stella, las tres hermanas más pequeñas, al cuidado de su madre viajaron con frecuencia por Europa. Stettheimer aprendió historia del arte de forma autodidacta visitando museos y galerías de arte en Italia, Francia, España y Alemania. Estudió a los grandes maestros y criticó sus obras en sus diarios, y continuó tomando clases particulares de arte con técnicas como la caseína.

En 1892, Stettheimer se matriculó en un programa de cuatro años en la Art Students League de Nueva York, una escuela inspirada en las escuelas de arte privadas de París. Durante su estancia en Alemania, aprendió el estilo de la pintura académica alemana. En la Art Students League, estudió con profesores como Kenyon Cox, Harry Siddons Mowbray y James Carroll Beckwith, quienes habían estudiado pintura académica francesa en París. Para cuando se graduó, había dominado la pintura de retratos realistas, tradicionales y académicos, así como desnudos, en ambos estilos europeos principales.

En Europa conoció la revolución que estaba viviendo el arte y quedó deslumbrada por los grandes maestros. En 1912 visitó el Museo del Prado en Madrid donde descubrió La maja desnuda de Goya, que le causó tal impresión que lo utilizó como inspiración para realizar un autorretrato suyo totalmente desnuda, A Model (1915-16), el primero del que hay constancia en la historia del arte.Vio la obra de los cubistas, Cézanne, Manet, van Gogh, Morisot y Matisse años antes del Armory Show, la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos. Con resultados diversos, experimentó con una variedad de técnicas y estilos, desde el simbolismo y el fauvismo hasta el puntillismo, dando como resultado una serie de obras que recuerdan a Luxe, Calme et Volupté de Matisse.

En el verano de 1912, Stettheimer asistió en París a una representación de La siesta de un fauno de Claude Debussy, interpretada por los Ballets Rusos. Esta experiencia la inspiró a crear su propio ballet, titulado Orphée of the Quat-z-Arts (Orfeo de las Cuatro Artes). Durante los años siguientes, a través de cuarenta y dos bocetos, nueve maquetas en relieve y cuatro esculturas, desplegó su talento imaginativo para crear una obra dentro de otra obra sobre el tema de la juerga y la fugacidad del placer. Actualmente todas las obras relacionadas con Orphée of the Quat-z-Arts forman parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, gracias a la donación de su hermana Ettie Stettheimer. Recordando el estreno de esa función de los Ballets Rusos que vio en París en 1912, posteriormente Stettheimer realizó la obra «Música» donde se pintó a sí misma dormida, soñando con el bailarín Nijinsky, en puntas, con el cuerpo de un hombre y una mujer.

Stettheimer regresó de París a Nueva York al estallar la Primera Guerra Mundial, a finales de 1914. Este cambio marcó un antes y un después. Tenía cuarenta y tantos años y su arte estaba listo para una transformación.

Debutó en el panorama artístico neoyorquino con una exposición individual en 1916 en la prestigiosa Galería Knoedler & Company de Manhattan , comisariada por Marie Sterner. Se exhibieron doce pinturas decorativas «high-keyed», no vendió ninguna. Fué la única exposición individual de su obra durante su vida.

Al año siguiente expuso en la recién creada Sociedad de Artistas Independientes, fundada por un grupo de artistas y galeristas de vanguardia, entre los que se encontraba su amigo Marcel Duchamp. Duchamp, ya conocido por haber introducido el cubismo en Estados Unidos tres años antes, escandalizó a los estetas e intrigó a Stettheimer en 1917 con su polémica escultura «Fuente», un urinario invertido. Su propia obra, si bien no tan abiertamente radical como la de él, compartía un ingenio irónico mezclado con una sátira mordaz.
Las hermanas Stettheimer desarrollaron una estrategia para presentar sus nuevas obras, característica de la época: las fiestas. Florine, Carrie y Ettie organizaron un Salón modernista en Nueva York, al que pertenecieron, entre otros: Marcel Duchamp, Henry McBride, Carl Van Vechten y Georgia O’Keeffe. Su salón atrajo a una amplia gama de personalidades culturales. Los asiduos desempeñaban el papel de público y crítico, apareciendo ocasionalmente como sujetos en las sofisticadas sátiras pictóricas de Stettheimer. De cuerpo entero, con inscripciones y atributos identificativos, y con una delicada sinuosidad que transmite un sentido caprichoso de la personalidad, los retratos de Stettheimer de la década de 1920 revelan la asombrosa capacidad de intuición social del artista.

En 1926, ella, sus hermanas y su madre se mudaron a un ostentoso apartamento de catorce habitaciones en Alwyn Court, en la calle 58 Oeste de Manhattan. La familia decoró su hogar con el estilo extravagante. Además del lujoso apartamento familiar, Stettheimer tenía un gran estudio en la calle 40 Oeste, en el edificio Beaux-Arts, con vistas a Bryant Park. Organizaba fiestas legendarias tanto en su casa como en su estudio, reuniendo a figuras destacadas del teatro y el arte la alta sociedad neoyorquina.

Un aspecto único del salón Stettheimer era que sus numerosos amigos y conocidos homosexuales, bisexuales y lesbianas no necesitaban ocultar su orientación sexual en las reuniones, como ocurría en otros salones (como el Salón Arensberg), a pesar de que las relaciones no heterosexuales eran ilegales en Nueva York en aquel entonces. Stettheimer solía mostrar sus pinturas más recientes a sus amigos en sus salones antes de enviarlas a exposiciones. La hermana mayor de Stettheimer, Carrie, preparaba cócteles y platos especiales, como sopa de plumas, para los salones. Durante los veranos, las Stettheimer solían organizar fiestas de un día entero, al estilo de los salones, para amigos en casas de veraneo alquiladas. Stettheimer pintó varias de estas reuniones de familiares y amigos disfrutando de festividades al aire libre como Sunday Afternoon in the Country (1917). En los frecuentes retratos grupales de Stettheimer, su familia y amigos no solo son claramente identificables, sino que están representados en actitudes que expresan su mundo interior, una idea con raíces en la pintura simbolista de finales del siglo XIX.

En todas sus pinturas, excepto en los retratos, Stettheimer llenaba sus lienzos con colores primarios brillantes, a menudo puros, sobre un fondo blanco plano, utilizando frecuentemente diversas técnicas. Muchas contienen numerosos detalles sutiles y humorísticos. Entre los rasgos distintivos de sus pinturas se encuentra el humor mordaz evidente en los pequeños detalles narrativos de muchas composiciones, como el pequeño monaguillo que intenta espiar bajo el vestido de la novia en Catedrales de la Quinta Avenida (1931). Stettheimer también llenaba sus composiciones con representaciones visuales de figuras individualmente reconocibles, dispuestas alrededor de lugares emblemáticos reales y arquitectura conocida, detallada y fielmente representada.

Stettheimer también pintó varias obras monumentales que abordan temas controvertidos, como Asbury Park South, que muestra a afroamericanos disfrutando de una conocida playa segregada de Nueva Jersey. La pintura es notable porque se encuentra entre las primeras obras de una artista blanca estadounidense en pintar figuras negras con los mismos rasgos no caricaturescos que las figuras caucásicas. En Lake Placid (1919), Stettheimer se pintó a sí misma y a amigos de diversas religiones (incluidos judíos y católicos) disfrutando de un día en Lake Placid, un lugar conocido por su antisemitismo institucionalizado.

Durante la década de 1930, Stettheimer continuó pintando obras de gran formato, algunas de las cuales eran cada vez más introspectivas y volvían a sus temas y lugares familiares. Continuó pintando un bodegón floral cada año en su cumpleaños, al que se refería como un «eyegay», un juego de palabras con «nosegay» (ramo pequeño) y su aversión a cualquier «simbolismo» en el arte.

Dedicó gran parte de su tiempo durante esta década a sus diseños para la ópera. Como diseñadora escenográfica, Florine creó los decorados y el vestuario para la producción de Cuatro Santos, de 1934 y una ópera de Virgil Thomson que incluía un libreto de Gertrude Stein. En sus diseños usaba celofán de maneras innovadoras, siendo la actividad por la que fue más conocida.

Colaboró con su hermana Carrie en la creación de la Stettheimer Dollhouse, a lo largo de veinte años, entre 1915 y 1935. La casa es una representación caprichosa de una residencia de clase alta, Las habitaciones exhiben pequeñas pinturas originales de artistas amigos de las hermanas Stettheimer, como George Bellows, Marguerite Zorach, William Zorach, Alexander Archipenko, Gaston Lachaise y Marcel Duchamp (quien contribuyó con una miniatura de Desnudo bajando una escalera). La extraordinaria casa de muñecas que Carrie Stettheimer construyó a lo largo de veinte años, llegó al Museo de la Ciudad de Nueva York en 1947.

Florine compuso el libreto de Orphée of the Quat-z-arts or the Revelers of the 4 Arts Ball, un ballet inspirado en el baile anual que se organizaba por los cuatro gremios de artistas en París. El ballet nunca se representó, pero el libreto de Stettheimer se publicó por primera vez en su totalidad en la reedición de Crystal Flowers, en 2010.

En 1938, cuando el Museo de Arte Moderno envió la primera exposición de arte estadounidense a Europa, Stettheimer y Georgia O’Keeffe fueron las únicas mujeres cuyas obras se incluyeron.

En su faceta como poeta escribió sus versos en pequeños trozos de papel y los envió a sus amigos en lugar de publicarlos. Algunos de estos están escritos en estilo muy infantil, otros ofrecen críticas sociales ingeniosas, y otros presentan retratos satíricos brillantes de otros modernistas.

Los poemas de Florine Stettheimer comparten la sensibilidad dadaísta de sus pinturas y diseños de interiores, pero solo fueron conocidos por unos pocos amigos durante su vida. Curiosos, divertidos, festivos y siempre perspicaces, sus poemas comentan sobre una variedad de temas —gustos y aversiones, naturaleza, comida, personas, estados de ánimo— arrojando una luz inesperada sobre la artista y su entorno.

En su vida privada Stettheimer tuvo coqueteos y relaciones románticas, y sus pinturas, diarios y poemas revelan su admiración por la anatomía masculina. Sin embargo, también demuestran su firme oposición al matrimonio, pues, al igual que muchas feministas, creía que este restringía la libertad de las mujeres e interfería con su creatividad. Esta idea se evidencia claramente en su poesía y en las entradas de su diario.

Solía usar pantalones blancos, que en aquella época solo usaban las feministas y las sufragistas, y que además le permitían trabajar con mayor libertad en lienzos de mayor tamaño. Durante su estancia en Europa, Stettheimer y sus hermanas buscaron producciones teatrales con temática feminista y artistas femeninas. Entre los folletos de los álbumes familiares se encuentra una copia de las actas del Primer Congreso Feminista Internacional celebrado en París en 1896.

Recordemos que en 1915, a la edad de 45 años, Stettheimer pintó un autorretrato desnudo, de tamaño mayor que el natural, A Model (Autorretrato desnudo). Combinando elementos de desnudos controvertidos del pasado, incluyendo la pintura de la prostituta Olympia de Manet y el Desnudo de Maja de Goya, el Autorretrato desnudo de Stettheimer es uno de los primeros autorretratos desnudos de una mujer en la historia del arte occidental. Sosteniendo un ramo de flores sobre su vello púbico pintado descaradamente, la expresión humorística y burlona de Stettheimer en el retrato contrasta marcadamente con las pinturas tradicionales de desnudos, lo que lo convierte hasta la fecha en el autorretrato desnudo abiertamente feminista más antiguo conocido de una mujer.

Florine Stettheimer murió en N.York el 11 de mayo de 1944. Tenía setenta y dos años. Sus hermanas Ettie y Carrie (esta última falleció inesperadamente pocas semanas después) y su abogado, Joseph Solomon, la atendieron diariamente. A diferencia de los demás miembros de su familia, que fueron enterrados en la parcela familiar, Stettheimer pidió ser incinerada y, varios años después, sus cenizas fueron esparcidas durante un paseo en barco por el río Hudson por Ettie y Solomon.

Florine dejó a sus hermanas el encargo de destruir toda su obra escrita, incluidos los poemas que hacía llegar a sus amigos. Afortunadamente su familia desoyó sus ruegos.

Una recopilación de sus poemas «Crystal Flowers», fué publicado póstumamente por su hermana Ettie en edición limitada impresa de forma privada en 1949.

Durante muchos años, Stettheimer había expresado su deseo de que toda su obra, como colección, fuera donada a un museo. Sin embargo, al darse cuenta de que podría resultar demasiado difícil encontrar un museo que la aceptara, modificó su testamento, pidiendo a sus hermanas que respetaran su deseo de que sus obras no se vendieran, sino que se donaran a museos de todo el país. Ettie encomendó esta tarea a Solomon y a los amigos de Stettheimer, quienes donaron las pinturas.

Tras la muerte de sus hermanas 45 obras fueron donadas a 37 instituciones como el MOMA y otras 50 fueron a la Universidad de Columbia en 1967, en previsión de un nuevo centro de arte que nunca se construyó. Fué en el MOMA, donde Duchamp impulsaría la primera retrospectiva en una fecha tan temprana como 1946. Fue la primera exposición retrospectiva del museo dedicada a la obra de una mujer artista.Y aunque a ésta siguieron unas pocas más, más o menos cada dos décadas, el ascenso del arte abstracto y la ausencia de obras de Florine Stettheimer en el mercado hicieron que su nombre cayera prácticamente en el olvido.

Actualmente cuatro pinturas de Stettheimer de la serie de la «Catedral -las Catedrales de Wall Street, Broadway, Quinta Avenida y Arte», todas pintadas entre 1929 y 1942 y estructuradas alrededor de un arco central forman parte de la colección permanente del Metropolitan Museum of Art de Nueva York (MET).

En 2010, Irene Gammel y Suzanne Zelazo reeditaron los poemas de Stettheimer y su primer libreto de ballet, afirmando que en las manos y en la lengua de Stettheimer, la superficie es profundidad. Continúan: «Una mirada atenta a los poemas revela superficies igualmente brillantes y barnizadas protectoras, que pueden encontrarse en las pinturas» . Gammel y Zelazo ven en la obra de Stettheimer una «gramática del artificio… diseñada para cultivar una aguda percepción de la perspectiva estética en el lector». Los poemas están agrupados en secciones temáticas: «Rimas infantiles», «Naturaleza/Flora/Fauna», «Cosas», «Comestibles», «Americana», «Estados de ánimo», «Gente», «Notas a amigos» y, finalmente, «Como si fuera un diario», una secuencia de poemas autobiográficos.

Además, las editoras expandieron este análisis en su libro complementario Florine Stettheimer: New Directions in Multimodal Modernism.

A Life in Art (1963) es la primera biografía publicada sobre Florine Stettheimer. Escrita por el destacado crítico de cine y arte Parker Tyler, abarca 194 páginas con ilustraciones.

En 1995 Barbara J. Bloemink escribió una biografía de Florine coincidiendo con una retrospectiva en el Whitney, donde confirma a Florine Stettheimer como una de las artistas más importantes y progresistas del siglo XX, cuya obra conserva una gran relevancia en la actualidad.